Der Aufnahmeprozess von POEMS: Ein Gespräch mit Viktor Orri Árnason

Berlin, 26. August 2026 – Für „POEMS“ erweckten Viktor Orri Árnason und die Sopranistin Álfheiður Erla Guðmundsdóttir isländische Gedichte an einigen der atemberaubendsten Orte des Landes zum Leben. In diesem Interview spricht Viktor Orri Árnason über die Inspiration hinter dem Projekt, seine Aufnahmephilosophie und die Rolle, die die Neumann-Technologie dabei spielte, diese Vision zum Leben zu erwecken.

Nur wenige moderne Komponisten bewegen sich so fließend zwischen Tradition und Innovation wie der isländische Komponist, Violinist, Dirigent und Produzent Viktor Orri Árnason. Das Album „POEMS“, das er gemeinsam mit der preisgekrönten Sopranistin Álfheiður Erla Guðmundsdóttir komponierte und einspielte, fängt intime musikalische Darbietungen vor den dramatischen Landschaften Islands ein.

Der begleitende Film „POEMS – A Journey Through Icelandic Poetry“ begleitet ihre Reise von historischen Häusern bis hin zu Gletschern und bewahrt dabei eine kompromisslose Klangtreue. Um dies zu erreichen, setzte Árnason auf eine minimalistische, aber kompromisslose Signalkette, deren Herzstück das Audio-Interface MT 48, das Röhrenmikrofon U 67, das Kleinmembran-Kondensatormikrofon KM 184, MCM-Miniatur-Clip-Mikrofone und der NDH 20-Studiokopfhörer von Neumann bildeten.

Das Ergebnis ist ein Projekt, das die Grenze zwischen Feldaufnahmen und Studioproduktion verschwimmen lässt und technische Präzision mit emotionaler Authentizität verbindet. In diesem ausführlichen Interview reflektiert Árnason über seine kreative Entwicklung, seine Aufnahmephilosophie und die technischen Entscheidungen, die „POEMS“zu ​ einer herausragenden Audioproduktion gemacht haben.

Der Moment, der alles veränderte

Frage: Hallo Viktor, fangen wir ganz am Anfang an. Wie bist du zur Musik gekommen? Und erinnerst du dich an den Moment, als du beschlossen hast, Komponist zu werden?

Viktor Orri Árnason: Ich habe im Alter von fünf Jahren angefangen, Geige zu spielen, aber meine frühe musikalische Identität wurde gleichermaßen von Punk und klassischer Musik geprägt. Als Teenager spielte ich außerdem Bass in einer Punkband und veröffentlichte bereits vor meinem fünfzehnten Lebensjahr Platten. Interessanterweise hat mir meine Erfahrung als Bandmusiker enorm geholfen.

Sie lehrte mich, ständig zuzuhören – zu reagieren, gemeinsam Energie zu gestalten. Das Bewusstsein für die Bedeutung des Zuhörens wurde zu einer grundlegenden Komponente meiner heutigen Art zu komponieren und aufzunehmen. Und ja, ich erinnere mich sehr genau an den Moment, in dem ich beschloss, Komponist zu werden. Ich war siebzehn und auf Tournee mit dem Nordic Youth Orchestra, wo wir Prokofjews „Romeo und Julia“ und Holsts „Die Planeten“ aufführten. Ich hatte meine Parts wie besessen einstudiert, und während der Proben wurde mir plötzlich klar, dass ich aufblicken und dem gesamten Orchester zuhören konnte, nicht nur meiner eigenen Stimme. Ich erinnere mich, dass ich ständig Gänsehaut hatte.

Das körperliche Gefühl, wie sich der Klang so durch den Raum bewegte, war fast überwältigend. Als ich nach Hause kam, sagte ich mir: Ich will nicht nur Musik spielen – ich will sie schaffen.

Von der Improvisation zum Film: Die Entstehung von POEMS

Wie hat das Projekt angefangen?

Viktor: Es begann während der Corona-Pandemie. Ich lud Musiker zu mir ein, um mit mir zu improvisieren und nach Inspiration zu suchen. Als die Sopranistin Álfheiður Erla Guðmundsdóttir dazukam, hat es sofort gefunkt. Sie brachte Gedichtbände mit, die ihr viel bedeuteten, und wir begannen, Gedichte zu vertonen. Anfangs war es nur ein Album, das wir größtenteils in meinem Studio aufgenommen haben, als ich noch in Berlin lebte. Doch dann kamen wir auf die Idee, jedes Stück an einem Ort aufzuführen, der mit dem Dichter bzw. der Dichterin verbunden ist.

So entstand eine Reise quer durch Island – wir spielten Musik an den Orten, an denen die Dichter gelebt hatten, sprachen mit Familien, versuchten zu verstehen, woher die Werke stammten … das verlieh dem gesamten Projekt eine tiefere emotionale Ebene. Es ging nicht mehr nur darum, die Musik aufzuführen, sondern darum, eine Verbindung zu diesen Geschichten herzustellen. Daraus entwickelte sich nach und nach ein abendfüllender Film.

Zunächst war das Label nicht ganz von der Idee überzeugt, einen Film zu drehen. Es hatte sich lediglich dazu bereit erklärt, ein kleines Projekt zu unterstützen – etwa ein Live-Auftrittsvideo. Doch wir erkannten zunehmend mehr Potenzial und entwickelten eine größere Vision für „POEMS“, ohne zu wissen, ob das Label das Projekt am Ende wirklich unterstützen würde. Doch während wir unterwegs waren und mit den Aufnahmen begannen, nahm ich mir jeden Abend etwas Zeit, um das Material durchzugehen, die beste Aufnahme auszuwählen, einen sehr schnellen Mix zu erstellen und daraus einfach etwas Vorzeigbares zu gestalten.

Irgendwann dachten wir: „Okay … was wäre, wenn wir das einfach abschicken?“ Also exportierten wir einen groben Schnitt – nichts Ausgefallenes – und schickten ihn rüber, um unser Label zu bitten, diese Reise zu unterstützen. Die Qualität der Aufnahme war so wahnsinnig gut, dass die Reaktion sofort kam. Sobald sie hörten, was wir machten, hatten sie es verstanden. Plötzlich gab es volle Unterstützung für den Film. Ich glaube, was wirklich den Ausschlag gab, war nicht, die Idee zu erklären, sondern ihnen tatsächlich vorzuspielen, wie es klang.

Eine komplette Neumann-Signalkette für unterwegs

Du hast das gesamte Projekt selbst aufgenommen. Wie sah dein Setup aus?

Viktor: Der gesamte Film wurde mit zwei miteinander verbundenen Neumann MT 48-Interfaces aufgenommen, wodurch ich über vier makellose Aufnahmekanäle verfügte. Das war mein gesamtes Aufnahmerückgrat. Das MT 48 wurde zum Herzstück des Aufnahmevorgangs. Was mir am besten gefiel, war die Möglichkeit, Snapshots der Gain-Struktur und des Routings zu speichern. Nachdem ich die perfekte Gesangsverstärkung am U 67 oder die Streicherbalance mit den KM 184 eingestellt hatte, konnte ich diese Einstellungen am nächsten Drehort sofort wieder abrufen. Das war unerlässlich, da jede Umgebung anders war – Gletscher, Holzhäuser, offene Landschaften. Die Konsistenz und klangliche Integrität der von uns verwendeten Signalkette haben das gesamte Projekt erst möglich gemacht.

Wie hast du das Neumann U 67 auf Tour eingesetzt?

Viktor: Das U 67 ist wahrscheinlich mein Lieblingsmikrofon aller Zeiten. Ich habe es, wann immer möglich, für Gesang eingesetzt, und es fängt etwas ein, das über bloße Klarheit hinausgeht – ich würde sagen, es fängt emotionale Tiefe ein. Selbst bei relativ naher Platzierung bewahrt es Raum und Räumlichkeit. Es wirkt nicht klinisch. Es wirkt menschlich. Diese Eigenschaft war für dieses Projekt entscheidend, denn der Gesang war nicht nur ein musikalisches Element – er war das emotionale Zentrum. Das U 67 ermöglichte es, dass sich die Stimme ganz natürlich in die Umgebung einfügte, egal ob drinnen oder draußen.

Du hattest nur sehr wenige Kanäle zur Verfügung – wie hast du Klavier und Streicher aufgenommen?

Viktor: Das war eine der größten Herausforderungen. Ich habe ein Paar KM 184-Mikrofone verwendet, um das Streichquartett aufzunehmen. Sie lieferten mir ein cineastisches Stereobild und bewahrten dabei unglaubliche Detailtreue. Die KM 184 sind unglaublich präzise. Sie fangen Artikulation und Raumwahrnehmung wunderbar ein, ohne zu übertreiben. Für Klavier und Harmonium habe ich eine Kombination aus KM 184 und MCM-Miniaturmikrofonen verwendet. Das MCM-System war besonders nützlich, da es auch in unvorhersehbaren Umgebungen eine nahe und stabile Positionierung ermöglichte. Die MCM-Mikrofone boten mir unglaubliche Flexibilität und Isolation, ohne dabei den natürlichen Klang zu beeinträchtigen. Obwohl ich insgesamt nur vier Kanäle zur Verfügung hatte, konnte ich mit diesem Setup einen Klang erzeugen, der sich weiträumig und filmisch anfühlt.

Hast du während der Aufnahme alles selbst abgehört?

Viktor: Ja. Der NDH 20 Kopfhörer war absolut unverzichtbar. Wenn man an abgelegenen Orten aufnimmt, wird der Kopfhörer zum Kontrollraum. Mit dem NDH 20 konnte ich Tiefe, Balance und Rauschen präzise wahrnehmen – selbst unter schwierigen Bedingungen im Freien. Ich konnte mich auf das verlassen, was ich hörte. Ich nahm einen Take auf, hörte ihn mir sofort an und nahm bei Bedarf Anpassungen vor. Dieser Arbeitsablauf gab mir die volle Kontrolle über das klangliche Ergebnis. Ohne diese Präzision beim Abhören wäre es unmöglich gewesen, gleichzeitig aufzunehmen und zu spielen.

Aufnahme mit dem Gletscher im Hintergrund: Ein Moment purer Harmonie

Eine der bemerkenswertesten Szenen ist der Auftritt mit dem Gletscher im Hintergrund.

Viktor: Das war magisch. Das war ehrlich gesagt einer dieser Momente, in denen einfach alles auf eine Weise zusammenpasste, die man nicht erwartet. Wir waren dort draußen, den Elementen völlig ausgeliefert – kein Studio, keine Isolierung, nichts unter Kontrolle. Und normalerweise ist das genau die Art von Situation, in der man Probleme erwartet: Wind, Geräusche, Temperatur, all das. Ich hatte mich also schon auf Kompromisse eingestellt, vor allem beim Ton. Aber als wir dann tatsächlich mit der Aufnahme begannen, war es fast surreal. Es wehte kaum Wind, was für einen solchen Drehort eigentlich unglaublich ist. Alles war einfach … still. Und gerade deshalb konnten wir so aufnehmen, dass es sich unglaublich klar anhörte, fast so, als wären wir drinnen. Was mich wirklich beeindruckt hat, war der Kontrast – man blickt auf diese riesige, raue Landschaft, etwas, das sich sehr wild und unberechenbar anfühlt, und gleichzeitig fängt man im Klang etwas extrem Intimes und Detailreiches ein. Diese Spannung machte es zu etwas ganz Besonderem. Und für die Sängerin war es sogar noch emotionaler, weil dieser Ort mit ihrer Vergangenheit verbunden war. Es war also nicht nur visuell beeindruckend – es hatte auch diese persönliche Ebene, die man in der Darbietung spüren konnte.

Sind Mikrofone für dich kreative Instrumente?

Viktor: Auf jeden Fall. Im Freien hat man zum Beispiel nicht die Möglichkeit, Dinge später kontrolliert nachzubearbeiten, daher bestimmt das, wofür man sich in diesem Moment entscheidet, wirklich das Ergebnis. Und ich war überrascht, wie viel die Mikrofone bereits für einen leisteten – sie verliehen dem Klang Farbe, Tiefe und eine Art von Fertigkeit, ohne dass man im Nachhinein viel hinzufügen musste. Jedes Mikrofon hat den Klang nicht nur eingefangen, sondern ihn auf ganz bestimmte Weise geprägt. Ein Mikrofon am Gesang verlieh zum Beispiel diese Tiefe und Rundheit – es schafft fast einen Raum um die Stimme herum, selbst wenn man ganz nah dran ist. Und dann fühlte sich ein anderes Mikrofon viel direkter an, präsenter, fast so, als würde es einen näher an die Quelle heranbringen. Anstatt also zu denken: „Das ist das richtige Mikrofon“, wurde es eher zu einer Entscheidung für einen Charakter. Wie soll sich dieser Moment anfühlen? Soll er intim, klar oder weiträumig wirken? Und das Mikrofon wird Teil dieser Entscheidung, genau wie die Wahl eines Instruments oder eines Arrangements.

Wie wichtig war das MT 48 Audio-Interface?

Viktor: Es war unverzichtbar. Die Wandlerqualität ist außergewöhnlich. Es hat Details, Dynamik und Tiefe bewahrt. Genauso wichtig waren jedoch der Workflow und die Tatsache, dass man über den Touchscreen die volle Kontrolle über alles hat. Die Möglichkeit, Einstellungen zu speichern, präzise abzuhören und dem Signalweg zu vertrauen, ermöglichte es mir, mich auf die Musik statt auf die Technik zu konzentrieren. Und da wir ein so kleines Team waren, habe ich im Grunde alles selbst gemacht – aufnehmen, abhören, Entscheidungen treffen. Dass wir ein so zuverlässiges und schnelles Gerät hatten, hat das überhaupt erst möglich gemacht. Sonst hätten wir wohl eine weitere Person gebraucht, die sich nur um den Ton kümmert.

Aufnahme als Komposition

Du hast dich zu einem Komponisten, Interpreten und Toningenieur entwickelt. Wie hat das Aufnehmen deine künstlerische Identität geprägt?

Viktor: Ja, ich glaube, das Aufnehmen ist wirklich zur Verbindung zwischen allem geworden, was ich tue. Es begann aus der Not heraus – ich wollte einfach verstehen, warum die Dinge nicht so klangen, wie ich es mir vorgestellt hatte, besonders bei Live-Auftritten. Das hat mich überhaupt erst dazu gebracht, mich mit Klang und Tonaufnahmen auseinanderzusetzen. Aber mit der Zeit hat es meine Sichtweise auf Musik verändert. Das Aufnehmen macht alles konkreter – man hört sofort, was funktioniert und was nicht, und man beginnt, Entscheidungen über Raum, Tiefe und Emotion zu treffen, nicht nur über Noten. Deshalb trenne ich diese Rollen mittlerweile nicht mehr wirklich voneinander. Wenn ich komponiere, denke ich bereits über den Klang nach. Wenn ich auftrete, bin ich mir bewusst, wie sich das umsetzt. Und das Aufnehmen verbindet das alles gewissermaßen zu einem einzigen Prozess. Und während POEMS prägte das Anhören unserer Aufnahmen an einem Abend den nächsten Tag. Jeden Abend, nach den Dreharbeiten, setzte ich mich hin, ging die Aufnahmen durch, machte einen schnellen Mix und spielte ihn allen vor. Das hatte etwas wirklich Kraftvolles – sofort zu hören, was wir an diesem Tag eingefangen hatten. Dadurch fühlte sich das ganze Projekt lebendig an und schien ständig voranzukommen.

Wie haben die verschiedenen Drehorte die Musik letztendlich beeinflusst?

Viktor: Eigentlich sehr stark. Denn jeder Ort hatte seinen eigenen Klang, seine eigene Atmosphäre. Und da wir in diesen Umgebungen live aufgenommen haben, floss das automatisch in die Musik ein. Man hört also nicht nur die Komposition – sondern auch den Raum um sie herum. Und das verleiht jedem Stück eine ganz eigene Identität.

Was hat dich an der Arbeitsweise bei diesem Projekt am meisten überrascht?

Viktor: Wahrscheinlich, wie wenig wir tatsächlich brauchten. Wir hatten ein sehr kleines Setup, nur wenige Kanäle, ein kleines Team – und trotzdem konnten wir etwas einfangen, das sehr vollständig klingt.

Das war eine ziemlich eindrückliche Erkenntnis. Wenn man frühzeitig die richtigen Entscheidungen trifft und hervorragende Werkzeuge zur Hand hat, muss man später nichts mehr nachbessern.

Vielen Dank für das Interview und deine Einblicke in deinen Arbeitsablauf, Viktor!

Das Interview führte Raphael Tschernuth (Content + PR Manager, Neumann)

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Über Neumann

Die Georg Neumann GmbH, bekannt als "Neumann.Berlin", ist einer der weltweit führenden Hersteller von Audio-Equipment in Studioqualität und Schöpfer von Recording-Mikrofon-Legenden wie dem U 47, M 49, U 67 und U 87. Das 1928 gegründete Unternehmen wurde für seine technologischen Innovationen mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet. Seit 2010 hat Neumann.Berlin seine Kompetenz im elektroakustischen Schallwandlerdesign auch auf den Studiomonitormarkt ausgeweitet und knüpft damit an das Erbe des legendären Lautsprecherinnovators Klein + Hummel an. Der erste Neumann-Studiokopfhörer wurde 2019 vorgestellt, und seit 2022 konzentriert sich das Unternehmen verstärkt auf Referenzlösungen für Live-Audio. Mit der Einführung des ersten Audio-Interfaces MT 48 und seiner revolutionären Wandlertechnologie bietet Neumann nun alle notwendigen Technologien, um Sound auf höchstem Niveau zu erfassen und zu liefern. Die Georg Neumann GmbH gehört seit 1991 zur Sennheiser-Gruppe und ist weltweit durch das Sennheiser-Netzwerk von Tochtergesellschaften und langjährigen Handelspartnern vertreten. www.neumann.com